Les musiciens

Jean-Christophe Frisch parcourt le Monde depuis qu’il a fondé XVIII-21 Le Baroque Nomade et se consacre aux échanges et rencontres des musiques baroques européennes avec les musiques traditionnelles. La puissante aventure musicale de ce groupe est aussi une aventure humaine avec les musiciens, fondée sur la confiance, la sérénité, l’altérité, qui se transmet au public à travers l’émotion, et l’humanisme qui sous-tend chaque projet. 

De ses études de biologie, J.C. Frisch garde rigueur et précision, et plus généralement une attitude scientifique et non-conformiste, qu’il applique également à la musicologie, et qu’il tente de transmettre à ses étudiants de la Sorbonne. Il a en particulier montré, tant dans les concerts de XVIII-21 Le Baroque Nomade que dans ses articles ou son ouvrage Le Baroque Nomade (Actes Sud), que les musiques de traditions orales sont riches d’enseignements qui peuvent nous aider à comprendre Monteverdi, Lully ou Vivaldi. En dehors du répertoire redécouvert, les élément les plus visibles du travail réalisé par l’ensemble concernent contraste des tempos, l’équilibre du grave et de l’aigu dans l’orchestration, et l’inventivité expressive des phrasés. 

Depuis qu’’il a fondé l’ensemble, Jean-Christophe Frisch a conduit Le Baroque Nomade dans 36 pays , dans des lieux aussi prestigieux que la Cité de la Musique à Paris, la Philharmonie de Cologne, le Festival de Bergen en Norvège, le Southbank Center Festival à Londres, les Festivals de Jérusalem, d’Utrecht, de Granada, les opéras de Rome, de Damas ou la Fenice à Venise… 

Les concerts et les spectacles dirigés par ce musicien, surnommé par ses amis musiciens “Indiana Jones de la musique baroque”, ont été salués dans de nombreux articles comme des représentations tout à fait exceptionnelles :

Révélation Culturelle. Le résultat sonore est saisissant. Passé maître dans ce jeu subtil de va-et-vient entre le Même et l’Autre (Télérama)
XVIII-21 joue des contrastes comme des parentés, avec une science qui sait respecter la part du poète. Par la nouveauté du propos, la qualité de l’interprétation et la rigueur musicologique des options retenues (Le Monde)
Incontournable (classicnews.com), Admirable spirit of imagination (Early Music Review)
Cela s’appelle l’infini respect (Télérama)

Il partage désormais la direction artistique de l’ensemble avec trois complices.

Florent Marie

La musique a toujours occupé une place importante dans la famille de Florent : la pratique du chant polyphonique, et le fait que son père soit luthier (et fournisseur de ses instruments !) ne sont sans doute pas étrangers à son choix de se dédier aux instruments de la famille du luth. Après une première formation auprès de Pascal Gallon au conservatoire de Caen, il obtient en 2006 son diplôme de luth dans la classe d’Eugène Ferré au CNSMD de Lyon, et découvre avec Jean-Yves Haymoz les techniques d’improvisation polyphonique, il sera ainsi un des premiers luthistes à pratiquer le ricercar improvisé en concert.

En 2022, il publie son premier disque en solo, entièrement consacré au compositeur-luthiste Giovanni Antonio Terzi, au sein du label allemand Carpe Diem. Cet opus, fruit de longues années de travail sur ce compositeur et la musique italienne de la fin du XVIème siècle, a fait une forte impression dans le milieu musical, pour être le premier enregistrement solo consacré à ce répertoire si riche, et pourtant quasiment oublié de nos jours.

 Parallèlement à son activité de soliste, Florent collabore avec un grand nombre d’ensembles européens spécialisés en musique ancienne, comme l’Ensemble Céladon, le Collegium Vocale Gent, les Traversées Baroques, l’Ensemble Correspondances, le Banquet Céleste, les Folies Françoises, Armónica Stanza, Contrapposto, Son Ar Mein, Alkymia, Doulce Mémoire, Enthéos, entre autres. Après avoir été professeur de luth aux conservatoires de Beauvais, Toulon, et Besançon, Florent enseigne aujourd’hui sous forme de stages ou masterclasses, comme au conservatoire supérieur Manuel Castillo à Séville, l’université de la Sorbonne à Paris, ou encore les Ateliers des Traversées Baroques à Dijon.

Merlin Nyakam

Claire Meusnier

est une jeune claveciniste d'origine Toulonnaise. Elle se spécialise actuellement au CNSM de Lyon, mais ses concerts avec le Baroque Nomade l'ont déjà emmenée en Tunisie, au Costa-Rica, et dans quelques lieux en France, mois exotiques. Elle a également fondé l'ensemble Les Emissaires, dans lequel elle retrouve Iris Tocabens.

Ana Escudero

Soprano, d'origine uruguayenne, formée au département de musique ancienne du CRR de Paris,  elle prépare un master en interprétation de la musique baroque. 

Ariane Zanatta

Soprano, formée au département de musique ancienne du CRR de Paris, titulaire d'un master en sciences théâtrales et d'un autre en interprétation de la musique baroque. Elle est une grande connaisseuse de la gestuelle théâtrale des XVII^e et XVIII^e siècles, qu'elle cherche à rentre intelligible pour les spectateurs du XX^e siècle, en y incorporant des références plus actuelles. Sa voix très souple lui permet d'aborder des répertoires virtuoses, du Baroque au Romantisme. Elle est une fondatrice de l'ensemble Contrapposto.

Iris Tocabens

Jeune violiste en début de carrière, rapidement repérée par différents ensembles de la scène baroque française, elle a également créé avec quelques collègues de sa génération l'ensemble Les Emissaires. Elle poursuit des recherches sur la réalisation de la basse continue en accords sur son instrument, en France, dans la lignée des grands luthistes français du XVIIe siècle. 

Elle pratique surtout la basse de viole, mais également le dessus et le violone.

Hager Hanana, violoncelliste franco-tunisienne, a reçu l'enseignement d’Eva Descaves, de Philippe Muller, Christophe Coin et Christopher Bunting.

Après avoir obtenu les premiers prix de violoncelle, violoncelle baroque et musique de chambre du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, elle est invitée dans de nombreux ensembles dont Les Arts Florissants (William Christie), Il Seminario Musicale (Gérard Lesne), Anima Eterna (Jos van Immerseel) et fut violoncelle solo du Concert Spirituel (Hervé Niquet) et des Musiciens du Louvre (Marc Minkowski).

Actuellement, elle joue et enregistre avec l'Orchestre des Champs-Elysées et le Collegium Vocale de Gand (Philippe Herreweghe), Le Baroque Nomade (fondateur Jean-Christophe Frisch), Les Ambassadeurs (Alexis Kossenko), Le Banquet Céleste (Damien Guillon), La Tempesta (Patrick Bismuth), Gli Angeli Genève (Stephan MacLeod) et l’Ensemble Correspondances (Sébastien Daucé). Elle est également sollicitée à se produire en récital et propose des programmes valorisant le répertoire pour violoncelle et violoncelle à cinq cordes seuls au XVIIème et XVIIIème siècle.

Elle enseigne le violoncelle baroque au CRR de Lyon. 

Elève au lycée Louis Le Grand, Pierre Rigopoulos découvre, grâce à son professeur de français, François-Bernard Mâche, compositeur émérite, le conservatoire expérimental de musique contemporaine de Pantin. Il y étudie la percussion contemporaine et y découvre le Zarb (tambour iranien) dans la classe de Gaston Sylvestre. Il y suit l'apprentissage du Zarb avec Jean-Pierre Drouet. Il pratique la musique contemporaine quelques années tout en poursuivant l'étude du Zarb avec Bruno Caillat et Djamchid Chemirani.  

Percussionniste polyvalent, il joue dans des formations de jazz, de musique traditionnelle ou classique, en concert ou pour des représentations théâtrales, chorégraphiques ou d'opéra.

Formé aux CNSM de Lyon en contrebasse et à Paris en contrebasses historiques et pédagogie, Jean-Christophe Deleforge est titulaire du certificat d'aptitude de contrebasse. Il est actuellement professeur de didactique de la contrebasse au CNSM de Paris au département de pédagogie et formation à l'enseignement. Par ailleurs, il enseigne la contrebasse et la musique ancienne au CRR d'Aubervilliers la Courneuve depuis 1989. Il est également professeur au Pôle supérieur 93 depuis 2009 et intervient régulièrement à l'Ecole Superieur Musique et Danse Nord de France en didactique et dans différents pôles d'enseignement supérieur.

Michel Guay est Canadien, né à Halifax en 1961. Sitariste, chanteur et compositeur  il débuta ses études musicales en 1971 au Conservatoire de Musique du Québec à Montréal en guitare classique. Sa recherche personnelle le mène très tôt vers une musique modale improvisée anticipant ainsi la découverte de la musique Indienne. C’est après avoir vu Ravi Shankar en concert qu’il entreprend un périple en 1978 à travers l’Europe, l’Afrique et le Moyen-Orient dont les musiques seront le thème principal et l’affinité grandissante, le fil conducteur qui le mèneront jusqu’en en Inde en 1980.

Il reçoit une initiation au sitar avec Baloji Shrivastava à Agra qui dure quelques mois et, réalisant l’envergure du projet il décide de s’installer à Bénares, un des grands centre d’enseignement traditionnel en Inde où il vivra et étudiera jusqu’en 1991. D’abord élève de feu Pandit Ramdas Chakravarty et ensuite du Doyen de cette Gharana (école, lignée) feu Ustad Mushtaq Ali Khan, il  étudie aussi le chant Khyal avec feu Pandit B.C. Patekar de la Jaipur-Atrauli Gharana, le tout dans la plus stricte tradition de l’enseignement orale de maître à disciple.

Il entame parallèlement des études universitaires au Music College de la Banaras Hindu University où il recevra un premier prix de conservatoire pour le Diploma in Sitar en 1984 et encore une fois pour le Bachelor of Music en 1987.Il complète le Masters Degree avec une bourse du Shastri Indo-Canadian Institute en 1991. Il continuera d’étudier en Inde jusqu’au décès de son dernier maître, le chanteur B.C.Patekar en 1995.

De retour en occident, d’abord en Suède, il reviendra à son vieil amour, la guitare, pour enseigner à la Kommunala musik Skolade Karlshamn et créera l’association Kala Sangam ("Confluence des arts") pour promouvoir la musique et la culture Indienne en Suède. Il fera aussi des études de pédagogie de l’enseignement à l’université de Karlstad. Il travaille avec une danseuse Indienne renommée installée à Stockholm, Kakali Mukhopadyaya, et avec Fazal Qureshi et Bengt Berger, tabliste et percussionniste établis en Suède.

C’est en 1998 qu’il est appelé à travailler en France avec le théâtre pour enseigner l’expression vocale à des comédiens. L’expérience se révèle fructueuse par de nouveaux contacts et de nouvelles expériences artistiques. Il collabore avec des artistes locaux tel que Abaji en tant que tabliste et plus tard comme compositeur pour l’illustration sonore. Sa musique de prédilection étant la musique indienne il se produit en tant que sitariste et chanteur de style khyal (Inde du nord). Outre la musique traditionnelle il participe à de nombreux projets  à la confluence de l’orient et de l’occident, tel que la formation Hati avec Nicolas Genest, en tant que sitariste et chanteur (Maison de la Radio, Foire de Paris, Festival jazz de Guyane, Citea, etc.), et dans la même mouvance le groupe Freedom for Seeds avec Stéphanus Vivens. Il tourne aussi avec le Kabul Workshop en Europe et dans les Festivals (Radio France, Les Escales, St-Nazaire et à Paris à la Cartoucherie, le Tryptique, etc.).

Il est actuellement membre du groupe Mukta (Zenith de Nantes, Festival Jazz Guadeloupe, Maison de la Radio, Divan du Monde, L’Européen et tournées Africaine et Indienne. Voir : mukta.online.com) avec lequel il a effectué une tournée A.F.A.A dans le cadre d’une résidence d’artiste en Inde pour l’enregistrement du disque Haveli chez Warner/France en 2004.

Par ailleurs  il a travaillé dans le milieu de la musique classique occidentale avec un quatuor à cordes sur des compositions de Julien Julian ainsi que l’ensemble Le Baroque Nomade dans un projet fusion alliant musique baroque et musique orientale avec l’ensemble Syrien Twaïs (Festival Radio France, Abbaye de Sylvanès, Théâtre de Fontainebleau). En novembre 2009 il enregistre un disque avec Le Baroque Nomade sous la direction de Jean-Christophe Frisch Daphné sur les ailes du vent,  paru en juin 2010 et pour lequel il a composé une pièce indienne inspirée d’un manuscrit du XVIIIe siècle.

Il a aussi collaboré à un projet de musique alliant musique folklorique française, afghane et indienne avec le groupe Pranam (cornemuse, harpe, sitar, rabab, tablas, flûtes et percussions).

Il accompagne régulièrement Sharmila Sharma une des plus grandes danseuses de Kathak de l’Inde  (Grand Palais, Musée Guimet etc… ) en compagnie de deux collaborateurs de renom : Prabhu Edouard aux tablas et Henri Tournier à la flûte bansuri. Il a aussi accompagné des artistes au Théâtre de la Ville.

Au théâtre comme musicien et compositeur il a travaillé avec Jean-Luc Bansard du Théâtre du Tiroir des Affabulations à Laval et avec Silviu Pulcarete au Théâtre de l’Union à Limoges.

Il a enseigné  la musique classique indienne (sitar, chant et tablas) au conservatoire de Narbonne, et a donné des master class au C.I.M. de Paris, l’école ATLA, l’école Bill Evans, le conservatoire d’Evry avec John Boswell aux tablas. Il a aussi été jury au conservatoire de Saint-Denis à La Réunion ainsi qu’intervenant en master class à Saint-Denis et Saint-Pierre. Il est  intervenant régulier à la Cité de la Musique à Paris comme musicien et enseignant à la Folie Musique à la Villette.